Analízame

Tengo una semana de muy-muy intenso trabajo (la más dura de este año) así que no podré escribir hasta por lo menos los primeros días de diciembre. Como estamos en la mitad de FIDOCS, les propongo a los que vayan a ver una película del festival publiquen acá abajo sus comentarios para que el resto tenga una guía de qué ver (o qué evitar o qué celebrar). Y discutamos, como siempre es sano hacer. Un abrazo!

La película que inauguró FIDOCS esta noche fue finalmente polémica. Escuché comentarios de personas que decían que no era una película adecuada para “abrir” el festival, en el aniversario número 10, que era muy superficial, etc. Para entender este comentario hay que entender algo sobre las películas que abren FIDOCS todos los años. Habitualmente son documentales muy interesantes, de denuncia y/o de cierta epopeya colectiva. “Nómades del viento”, “La revolución no será televisada”, “La pesadilla de Darwin” e incluso la misma “Salvador Allende” son películas de las que uno puede tener opiniones disonantes sobre ellas, pero que al fin y al cabo logran pasar la prueba de la blancura del tiempo cuando las recordamos: simplemente las seguimos recordando.

“Si sos brujo”, de alguna manera, es un cambio.

Un cambio en Fidocs. Creo que el cambio lo pude ver desde el folleto que entregaron a la entrada de la función inaugural: aparecía Patricio Guzman en polera y sobre su bicicleta. Yo nunca había visto a Guzmán en bicicleta (menos en polera) pero entiendo que es un ciclista acérrimo en París. Luego, revisando las películas, descubrí algo de lo que no había dado cuenta antes: en este Fidocs hay varios documentales musicales: está “Lágrimas negras”, el Buena Vista Social Club antes de que existiera “BVSC”; y está ese curioso documental sobre Manu Chao. Y está esta película de la apertura, “Si sos brujo” de Caroline Neal. Una película de tango.

Con esas ideas tan disonantes en la cabeza me enfrenté a la función. Y para mí fue una sorpresa. La película lleva el subtítulo “una historia de tango”, frase que tampoco da demasiadas pistas de lo que el documental realmente es: un relato personal de un músico argentino obsesionado con recuperar a las viejas glorias del tango para aprender de ellos su estilo.

Para mi gusto, hay algo muy interesante en esta película, algo más allá de lo que parece a primera vista. La película comienza con una muy mala recreación en la que vemos a Ignacio Varchausky, el músico joven, que le cuenta a un amigo -también músico- su proyecto: hacer una escuela en la que los viejas glorias le enseñen a los músicos jóvenes sus “técnicas” para tocar el tango. Varchausky recalca que es muy dificil de distinguir estás técnicas de interpretación a partir de los discos, y de hacerse, es un labor en extremo trabajosa.

Por lo tanto Varchausky decide buscar a su primera víctima: el músico Emilio Balcarse de 82 años.

Luego, la película continúa con más escenas mal recreadas (como cuando el joven llamando por teléfono a su principal ídolo, por teléfono, pero el viejo fuera de casa; y cuando encuentra al viejo ‘casualmente’ en una plaza y y le cuenta su proyecto) y a esa altura uno empieza a preguntarse si la película es acaso un gran chiste o en algún momento va a levantar.

Y resulta que mientras avanza el metraje, la película repentinamente levanta: resulta que Balcarce es un personaje en extremo carismático, muy sencillo y simpático. Y resulta que el joven deja de hacer recreaciones de su vida y empieza a contarnos la historia de su proyecto, de la escuela del tango, y resulta que el proyecto le empieza a funcionar, y la película se empieza a llenar de viejos que tocan tango, cual más estrella que otro.

Pero la película no se pierde: sabe que sus protagonistas son el joven y el viejo. Balcarse y Varchausky. Y el tango. La técnica del tango, que es la posta que veremos pasar de una mano a otra.

Debo confesar algo acá: durante muchos años de mi vida el instrumento que más he odiado es el bandoneón. Por años he visto demasiadas malas películas musicalizadas con un bandoneón. Creo que no existe imagen más fea del cine argentino que los planos generales del Obelisco y la calle Corrientes con un bandoneón de fondo. O incluso, películas no argentinas en las que se pretende recrear un sentimiento de pena o nostalgia con un bandoneón de fondo. Eso siempre me ha hecho arrancar y por años he rehuido de las películas de tango, sin importar su especie.

Bueno, creo que todo esta larga intro es para decir que “Si sos brujo” es una mucha mejor película de lo que parece, su guión es muy inteligente y bien estructurado, y la película termina siendo una lección sobre el cine: que se puede ser sentimental, siempre y cuando que uno se enfrente al sentimentalismo con pudor.

“Si sos brujo” es una película sentimental y pudorosa, como sus personajes y la relación que construyen entre ellos es sentimental y pudorosa. El tango también en sus letras puede ser muy sentimental, pero es bello en cuanto es pudoroso, como esos alcohólicos que no pueden dejar de ser alcohólicos y toman todas la noches y lloran con el barman, pero que pueden regresar a casa sin contratiempos y nunca rompen una copa.

Esto del sentimentalismo y el pudor está constantemente en la película, y ahí radica su belleza: que por muy sentimental que uno sea, eso no tiene directa relación con hacer strip-teases de sentimientos.

Me explico: en la película, el anciano comienza a perder el oído, y eso -que en las manos de un documentalista joven y despiadado pudo ser una carnicería humana, en la que el viejo lo habríamos visto yendo al doctor, conversando preocupado con su mujer, pensativo, etc, etc- en “Si sos brujo” está contado con extrema delicadeza: después de su primera gira a Francia, luego de haber grabado un disco, el joven músico viene en el avión, de noche, mientras todos duermen, y mientras -apenas iluminado por la luz de su asiento- revisa las fotos del viaje, nos cuenta que esta tarde el anciano le confesó que empezó a quedarse sordo de un oido.

Momentos después, vemos al anciano conversando del tema con los discípulos jóvenes, y estos buscan maneras de subirle el ánimo, con bromas negras sobre la posibilidad de que sus mejores obras quizás las escriba cuando esté completamente sordo, como Beethoven. Pero el viejo no se ríe con la broma, y los jóvenes le dicen “Ah, no le gustó tanto la broma” y el viejo les responde, “Ah, no, no. Me quedé callado porque lo estoy considerando”.

Pudor y sentimentalismo. Sentimentalismo y pudor. Después de la función me quedé pensando en esos dos ideas entrelazadas. Y en cómo ambas están directamente vinculadas con el afán infinito de capturar algo perdido: el estilo. Ni siquiera el “estilo propio” (fantasía del rock y el R&B: “Solo un estilo propio te salvará”) sino que el estilo entendido como objeto de la arqueología.

Temas de brujos.

Hoy parte la décima versión de Festival Internacional de Documentales de Santiago, FIDOCS, y la verdad, la sensación es de cierta familiaridad. FIDOCS, es junto con SANFIC, de los festivales más interesantes que se hacen en Chile, y ambos son ventanas abiertas a ver películas refrescantes, innovadoras (por muy empresarial que suene la palabra) e intensamente personales. FIDOCS tiene una gracia adicional: tiene vocación de festival chico, consolidado, pero con un número manejable de películas elegidas con pinzas. Eso siempre es agradable en un océano de festivales que eligen películas por cantidad (para poder decir en el catálogo… “más de 300 estrenos”) pero que dejan al cinéfilo de a pie con la sensación constante de que se está perdiendo algo mejor de lo que está viendo.

Ansiedades afuera, este FIDOCS es uno de aniversario (10 años, desde el ya lejano 1996 en la sala del Goethe), y tiene una excelente novedad: se suma a la sala del HOYTS LA REINA una sala más en la CINETECA NACIONAL, lo que permitirá que ¡por fin! las principales películas no tengan funciones unicas, sino que dos funciones en el festival, y eso permita cierto boca a boca que los festivales anteriores no hacían posible.

Este año hay 26 estrenos internacionales de Francia, Alemania, Suiza, Inglaterra, Holanda, España, Rusia, Finlandia, Bélgica, Italia, Canadá, Israel, Argentina, México, Perú, Cambodia y una solitaria co-producción Estados Unidos-India. También estará la tradicional competencia nacional entre los diez documentales más destacados de este año, y una esperada selección de los mejores documentales internacionales de los últimos años, selección que debería ser un imperdible para cualquier curioso que recién se acerca al mundo documental y se siente con ganas de ver películas de autores a esta altura míticos como Nicolas Philibert (”Ser y tener”) o Richard Dindo (”Diario del Che en Bolivia”). Por si fuera poco, a esto hay que sumar las miniretrospectivas de este año a Raymond Depardon (tres películas) y los homenajes tardíos pero siempre bienvenidos a los documentalistas Gloria Camiruaga y Rafael Sánchez, fallecidos este año.

Con todo eso en la juguera, quizás sea bueno hacer una mini selección de las películas que anduve investigando me tienen con muchas ganas de ir a ver. Para horarios pueden chequear el programa del festival aquí. Estas serían:

1] “Sala 10, momentos de audiencia” (10e Chambre, instants d’audience) de Raymond Depardon: Las grandes estrellas de este festival deberían ser las películas de Depardon. Este francés -hijo de granjeros, luego fotógrafo destacado, luego fundador de la agencia Gamma y asociado de Magnum y luego documentalista- dicen que es un director austero e intenso. Esta “Sala 10″ estuvo en Cannes en el 2004, y dejó a todos boquiabiertos con una idea simple: Depardon es autorizado a filmar los más diversos juicios en una corte de París. Depardon elige doce historias diversas que hablan de inmigrantes, un carterista, un conductor detenido por ebriedad, un tipo que persigue a una ex novia… pero también de la verdad y la mentira como herramienta diaria en el sistema judicial. Las otras dos de Depardon son igualmente imperdibles: “1974, un paseo por la campaña” es un seguimiento a un candidato de derecha frances que luego prohibiría la películas por 30 años, y “Retratos campesinos, la vida cotidiana” que estuvo el año pasado en Berlin. [Más info acá: Entrevista de Raymond Depardon en Cinemascope 23] DOM 26, CINETECA, 16 HRS / LUN 27, HOYTS, 19 HRS.

2] “Por uno solo de mis ojos” (Pour un seul de mes yeux) de Avi Mograbi: Desde hace mucho rato que solo escucho comentarios impresionados sobre las películas de Mograbi, y no estoy seguro, pero esta debe ser una de sus primeras películas que se exhiben en Chile. Este director israelí vive los conflictos con Palestina desde dentro con una fiereza y una convicción por el diálogo que se ve poco. Mograbi, por cierto, apoya la causa libanesa y palestina, y por ello, por negarse a pelear en la Guerra contra el Líbano, paso una temporada en la cárcel como desertor. Una película sobre la venganza y que según dicen podría ser el perfecto programa doble con “Paraíso ahora”, estrenada comercialmente este año en Chile. El mismo Patricio Guzmán lo llama “el mejor documentalista del mundo”. Y Quintín va más lejos: lo conecta con Raúl Ruiz en su calida de “resistente”. [Entrevista en Greencine] Lamentablemente, se exhibirá en una única función: LU 27, HOYTS, 21:30 HRS.

3] “La salvaje y azul lejana” (The wild blue yonder) de Werner Herzog: Los que lo vieron en Bafici dicen que este ¿documental? es fascinante: es un trip por el espacio exterior mezclada con las peliculas caseras de los astronautas en sus viajes espaciales. Herzog desde hace rato es un documentalistas potente (Grizzly man, pero sobre todo a esos pequeños hombre apagando los incendios petroleros de la Guerra del Golfo en Lessons of darkness). Imperdible absoluta, aunque en el Village Voice hace poco menos de un mes alegaron quedar decepcionados. DOM 26, HOYTS, 21 HRS / MIE 29, CINETECA, 14 HRS.

4) “Bloqueada” (Blokada) de Sergei Lostnitza: Con el material encontrado en archivos, Lostnitza hace este muy premiado documental sobre la campaña de 900 días de bloqueo de los nazis de Leningrado en la Segunda Guerra Mundial. Es simple: material en cristalino 35mm (quizás bien mantenido por el frío) sin diálogos y “con apenas el sonido de sirenas, niños que gritan y botas que marchan” como dice David D’Arcy en Greencine. MA 28, HOYTS, 19 HRS.

5] “El lado oscuro de la Dama Blanca” de Patricio Henríquez: Por si todavía queda alguien que piensa que es un mito que torturaron opositores en la época de Pinochet en el buque escuela Esmeralda, bueno, esta es su película. El siempre atento Patricio Henríquez, documentalista chileno que ha hecho la mayoría de su carrera en Canadá y autor de la imprescindible “Imágenes de una dictadura” (a la venta en kioskos, por cierto) hace este documental para borrar ese concepto para siempre, y realiza un seguimiento a las protestas que organizan exiliados chilenos a los puertos donde llega este emblema de la armada. Estrenada en el Festival de Valparaíso de este año. SA 25, CINETECA, 20 HRS.

6], 7] y 8] “Che Guevara, El diario de Bolivia” de Richard Dindo, “Ser y tener” de Nicholas Philibert, “S-21, la máquina de muerte de Kmer Roja” de Rithy Panh: Nada que agregar: clásicos documentales absolutos e imperdibles. Las velitas del cumpleaños de Fidocs. “Che Guevara”: JU 23, CINETECA, 19:30 HRS / MA 28, CINETECA, 18 HRS. – “Ser y tener”: JU 23, CINETECA, 16:30 HRS / VI 24, HOYTS, 21 HRS. / LU 27, CINETECA, 19:30 HRS. – “S-21″:SA 25, CINETECA, 18 HRS / MA 28, HOYTS, 21:30 HRS.

9] y 10] “La ciudad de los fotógrafos” de Sebastian Moreno y “Opus Dei: una cruzada silenciosa” de Marcela Said y Jean de Certeau: Los dos documentales chilenos más destacados de este año, sin duda. Ambos en competencia. El primero, sobre los fotografos chilenos en dictadura (disclaimer: fui productor ejecutivo de este documental… lo que no quita que pueda decir lo que estoy diciendo). El segundo, estrenado en Viña hace unos días a sala llena y excelentes comentarios. Dura competencia, sin duda. “Fotógrafos”: SA 25, HOYTS, 21:30 HRS. “Opus” SA 25, HOYTS, 18:10 HRS.

11] “Rio Congo” (Congo river: beyond darkness) de Thierry Michel: El belga Michel lleva una porrada de años filmando el Congo a partir de la devastación que realizaron los colonizadores de Bélgica en ese país en la primera mitad del siglo XX. Su anterior “Mobutu, rey de Zaire” se presentó en FIDOCS en 1999, y esta película está en el mismo tema: Congo mirado desde el río, a lo “Corazón de las tinieblas”, pero también a lo Jean Rouch. Presentada en Berlin. MIE 29, HOYTS, 21 HRS.

12] “El cielo gira” de Mercedes Alvarez: Bueno, si hay un documental que ha ganado todos los festivales del mundo es este. Para quienes hayan visto “En construccion” de Guerin tiene que ver este de Mercedes Alvarez, su montajista. Es la historia de la directora que regresa a su pueblo perdido en España donde viven sus antepasados y les pregunta, entre otras cosas, de la situación mundial. Jordi Balló, el director del programa documental de Barcelona desde donde surgió esta película, estuvo este año en Chile invitado por la Universidad Alberto Hurtado. Copia presentada en el siempre esplendoroso 35mm. LU 27, HOYTS, 14:30 HRS / MIE 29, HOYT, 23:15 HRS.

****

Hay más por supuesto. Siéntanse libres de explorar. Ahí nos vemos.

No alcanzó a tener ochenta años, Altman. Pero al mismo tiempo si hay alguien que no puede quedarse con la bala pasada de haber hecho una película de su gusto fue él. Las hizo todas. Desde M*A*S*H* (1970) vivió cierta inmunidad en Estados Unidos. Quizás es como esos fenómenos folk como Woody Guthrie, incomprensibles al sur del Río Grande. Altman era medio folk, ahora que lo pienso. Un granjero en la ciudad que se burla de la histeria urbana. Eso cuando le achunta. Qué feo decir esto en su obituario, ¿no?, pero son las gracias de escribir en un blog: nunca sentí que Altman fuera un gran cineasta, o por lo menos, el gran cineasta que tantos quisieron que fuera por tanto tiempo. Creo que Altman tuvo la inmunidad y la protección que nunca tuvo John Cassavetes, por ejemplo, que es mil veces mejor cineasta. Pero estos son sentimientos muy mezquinos para el día de su muerte. Quizás sea mejor recordar sus buenos momentos. Como mi momento Altman favorito, que no tengo idea si es de “California Split” (1974) o “Brewster McCloud” (1970), que es ese tipo que descubren flotando al fondo de la piscina. O los milicos conscientes de “Streamers” (1983), una de las primera peliculas que vi en el cable, en HBO. O el submundillo (por llamarlo de alguna forma) de mujeres sobreestimuladas de “Doctor T y las mujeres” (2000). O los ejecutivos histéricos en “The player” (1992), con su terremoto en Antofagasta y todo. O mis favoritas-favoritas, pero que apenas recuerdo: “3 mujeres” (1977) y “Thieves like us” (1974). O la mejor-peor de todas: “Brewster McCloud” (1970) con Bud Cort. Es verdad: Altman compartía con Billy Wilder cierto aprecio por la histeria urbana. Le divertía la histeria urbana, y su retrato de esas histerias colectivas (muy setentera, después de todo) siempre fue leída como crítica social. Se murió el viejo Altman. Vendrán multiples homenajes. Pero aunque no los tuviera, el viejo no podría quejarse: tuvo harto de esos en vida.

****

Soy un tonto: al revés de lo que dije en la primera línea, Altman sí pasó los 80 años. Basta hacer la matemática para descubrir que tuvo 81. En fin.